CRÍTICA | Constantine

Lançado em um período peculiar do cinema de super-heróis, onde as adaptações ainda buscavam seu equilíbrio entre o material de origem e as demandas de Hollywood, Constantine (2005), dirigido por Francis Lawrence, consolidou-se não apenas como uma obra singular, mas como um clássico cult que envelheceu surpreendentemente bem. O filme traz Keanu Reeves no papel de John Constantine, um detetive sobrenatural e exorcista cínico que, diferentemente de sua contraparte loira e britânica nos quadrinhos Hellblazer, habita uma Los Angeles sombria e gótica. Esta crítica busca analisar o filme como uma obra linear, dissecando seus arcos narrativos, estética e performances, situando-o no contexto mais amplo das adaptações de quadrinhos da época.

O longa-metragem inicia estabelecendo o tom de desespero e a natureza do protagonista. O John Constantine de Reeves é introduzido em uma cena de exorcismo intensa, marcando de imediato que este não é um filme de herói tradicional. Ele não combate o crime por nobreza, mas por uma mistura de dever moral distorcido e desespero pessoal. O arco inicial de Constantine é definido pela sua condição terminal: ele está morrendo de câncer de pulmão, consequência de seu vício em cigarros, e sabe que seu destino é o Inferno devido ao suicídio que cometeu na juventude, antes de ser ressuscitado. Essa motivação é o motor da trama, estabelecendo um personagem falho, egoísta e profundamente humano, o que diferencia a obra de contemporâneos mais otimistas.

A ambientação de Los Angeles serve como um espelho da alma do protagonista. Em vez da ensolarada cidade californiana típica, Lawrence nos apresenta uma metrópole de sombras, becos úmidos e uma atmosfera claustrofóbica. Isso é crucial para o gênero terror-ação, criando uma trégua tênue entre o divino e o demoníaco que se manifesta na decadência urbana.

A trama ganha corpo com a introdução de Angela Dodson, interpretada por Rachel Weisz, uma detetive cética que busca respostas para a suposta morte por suicídio de sua irmã gêmea, Isabel. A química entre Reeves e Weisz funciona como o coração emocional da narrativa. Angela representa a fé ingênua que Constantine perdeu, enquanto Constantine representa a realidade brutal que Angela se recusa a aceitar. O arco de investigação é linear e bem construído, levando-os a descobrir que a trégua entre o Céu e o Inferno está sendo ameaçada.

A revelação de que Mammon, filho de Lúcifer, está tentando encontrar um caminho para a Terra com a ajuda de um híbrido (um anjo ou demônio que pode caminhar na Terra), eleva o nível da narrativa de um simples filme de monstros para uma batalha cósmica de apostas elevadas. A interação de Constantine com o submundo é fascinante. Personagens como Papa Midnite (Djimon Hounsou), o dono do clube neutro, e Balthazar (Gavin Rossdale) trazem camadas de complexidade ao universo, mostrando um ecossistema sobrenatural organizado e perigoso.

Visualmente, Constantine é impactante. A representação do Inferno é um dos pontos altos do filme. Ele não é apenas um lugar de fogo, mas uma dimensão paralela de ruína eterna, uma versão distorcida e decadente da Terra, onde Constantine é perseguido por demônios alados em um cenário apocalíptico. As cenas em que Constantine utiliza cadeiras elétricas ou espelhos para atravessar entre os mundos são momentos técnicos brilhantes que definem a identidade visual do filme.

Outro momento minucioso é o confronto de Constantine com Balthazar no apartamento de um dos aliados do protagonista. A cena mistura ação com a mitologia do filme, mostrando Constantine usando ferramentas sagradas como o Escudo de Moisés e a Lança do Destino. A cena demonstra o conhecimento técnico de Constantine sobre o sobrenatural, diferenciando-o de um herói físico.

A análise minuciosa não estaria completa sem abordar as performances antagonistas. Tilda Swinton como o anjo Gabriel entrega uma interpretação andrógina e inquietante. O arco de Gabriel é de um fanatismo tóxico; o anjo acredita que a humanidade não merece a graça divina e que o sofrimento purifica. Essa motivação subverte a ideia tradicional de anjos como seres puramente bondosos.

O clímax do filme traz a participação magistral de Peter Stormare como Lúcifer. Sua aparição é curta, mas memorável. Lúcifer não é apenas o vilão; ele é o credor de Constantine. A interação entre eles estabelece uma tensão palpável. O arco final de Constantine fecha-se quando ele se sacrifica, não para salvar a si mesmo, mas para salvar a alma de Isabel Dodson, um ato de altruísmo genuíno que contrasta com sua postura cínica ao longo do filme. Esse sacrifício força o Céu a intervir, curando o câncer de Constantine e dando-lhe uma segunda chance, o que, ironicamente, é a maior punição para Lúcifer, que queria sua alma por direito.

Comparar Constantine (2005) com a obra original Hellblazer é um exercício complexo. Os fãs puristas dos quadrinhos frequentemente criticam a escolha de Keanu Reeves, dada a sua falta de semelhança física com o personagem britânico de cabelos loiros e seu estilo de atuação mais contido. No entanto, o filme captura a essência do cinismo e a atmosfera sombria que permeia a HQ. O Constantine do filme é uma adaptação para o cinema americano, focada mais na ação e no horror sobrenatural do que no horror político e social dos quadrinhos originais.

Em relação a outras adaptações da DC Comics da época, Constantine se destaca por sua classificação etária elevada (Rated R), permitindo uma abordagem mais madura e violenta do sobrenatural, algo que Batman Begins (2005), por exemplo, não explorou da mesma forma. Ele pavimentou o caminho para filmes como Watchmen (2009) ao demonstrar que havia público para adaptações mais densas.

Constantine é um filme que se sustenta na força de sua atmosfera e no arco de redenção de seu protagonista. Apesar das liberdades criativas em relação ao material original, ele criou um universo próprio que é, ao mesmo tempo, perturbador e fascinante. O arco de John Constantine—de um cínico egoísta a um homem que entende o valor do sacrifício—é o que torna o filme linear e satisfatório.

A produção se beneficia de uma direção de arte primorosa e de uma trilha sonora que sublinha o tom melancólico e tenso da narrativa. A jornada de John não é apenas contra demônios, mas contra o tempo e contra si mesmo. Ao final, o filme se estabelece como uma peça importante na história das adaptações de quadrinhos, um lembrete de que o gênero pode comportar complexidade temática e uma estética sombria sem perder a essência do entretenimento.